Comment tourner et monter un dialogue

Découvres les étapes importantes pour filmer et monter un dialogue comme dans tes films préférés.

TUTO VIDÉO

Thibaud Marcouire

4/3/20234 min read

Cet Article est inspiré de la vidéo ci-dessus, pour plus de détails et d'explications, n'hésites pas à la visionner !

Les dialogues sont importants, et s’utilisent dans tous les formats.

Que ce soit pour un sketch, une présentation ou je ne sais quoi d’autre, en format court dans un TikTOK,short ou Reel et bien évidement dans un court ou long métrage.

Ils donnent du corps à l’histoire et peuvent faire passer votre film de « cool » à « chef d’œuvre » mais également détruire tout votre rythme de vidéo. Un mauvais dialogue donnera souvent un mauvais jeux d’acteur et tuera l’originalité et la force de votre film.

Les dialogues de la vie réelle sont mauvais ! Les gens ne parlent pas en prose, et un vrai dialogue est remplis de balbutiements, de redondance et de banalités, bref c’est chiant.

Mais si dans un films vos personnages échangent comme ça, vous risquez d’ennuyer votre spectateur, et rendre la scène complètement incompréhensible. Il faut donc apporter du rythme et de la clarté

En fait un film doit donner l’impression que le dialogue est réaliste, mais en vrai il n’y a rien de plus irréaliste que le dialogue d’un film …

Il faut savoir qu’il y a plusieurs façons de filmer un dialogue:

La première et c’est la plus simple, c’est de faire un plan large. A l’image on voit les deux personnes qui échangent et rien de plus. Cela peut largement suffire selon ce que tu veux mettre en scene et à ce compte-là on appellera ça un plan séquence car ton plan est à la fois un plan et une séquence !

La deuxième méthode c’est Champ, contre champ, que l’on peut par ailleurs agrémenter d’un plan large supplémentaire.

Y a plusieurs avantages à faire ça :

·        Plus proche des comédiens

·        Permet de se concentrer sur les émotions

·        Plus facile à monter et à rythmer

Cependant il y a quand même pas mal de paramètres à prendre en compte au tournage.

Attention d’abord à ce que les comédiens regardent dans la même direction que sur le plan large.

Il faut garder une cohérence sinon tu vas perdre ton spectateur dans son interprétation spatiale de la scène.

Maintenant on va pouvoir parler de la fameuse règle des 180 degrés. Pour arriver à visualiser les choses, il faut que tu imagines une ligne au niveau des personnages, et ta caméra elle va se placer ou tu veux d’un coté de cette ligne mais jamais ne la dépasser sinon un personnage qui regarde droite cadre va se retrouver à regarder gauche cadre et la… “On est perdus”

On parle donc de Règle des 180 degrés car on déplace la vidéo de 180 degrés maximum selon cette configuration.

Maintenant que tu maitrises cette information, on va pouvoir parler des amorces.

Les amorces c’est les personne floue que tu voies au premier plan.

Cela aide à ne pas perdre le spectateur pour savoir à qui s’adresse la personne qui parle. Et ça permet de mettre de la proximité entre les personnes qui échangent.

Mais tu peux choisir de ne pas en mettre, et la tu mets un peu de distance dans l’échange,

Ou alors tu peux choisir d’ne mettre seulement sur un des deux pour créer un déséquilibre !

Un des personnages va alors prendre plus de place puisqu’il sera sur tous les plans.

Avant de s’occuper du montage finissons en en regardant ce qui se passe du côté du cadre.

Ici aussi les émotions que l’on veut donner peuvent être accentuées par un choix de cadre habile

Tu peux choisir de filmer Droit/ou pas droit, c’est ce que l’on appelle débuller pour créer des sentiments de malaise par exemple.

La plongée et contre plongée peut emmener aussi à ce qu’un personnage prenne plus ou moins d’ampleur et d’emprise dans le dialogue.

Ensuite tu peux choisir de mettre du mouvement ce qu’on appelle une prise caméra épaule pour rajouter encore plus de proximité avec la scène. Mais ça, ça peut être rajouté en post production pas de panique.

Une fois que tu as tous tes plans de tournés, il va falloir que tu enchaines les prises de paroles que ton dialogue prenne vie.

Cette première partie gérée, le dialogue est fait, mais il est chiant. Tu verras que c’est haché et il semble avoir des longueurs.

C’est maintenant qu’on va incorporer ce qui fait toute la différence et va fluidifier le tout. On appelle ça des J cut et des L cut.

Ces termes veulent dire qu’on va donner une forme de J et de L dans la Timeline entre coupes des pistes son et pistes vidéo.

Tu as jamais fait attention que dans un dialogue on entend parfois le début d’un phrase prononcée par la personne qu’on ne voit pas et inversement ?

On va demander a l’appli de nous séparer les pistes son et audio en sélectionnant le rush dans la timLine.

Et ensuite on va faire se chevaucher le début de la piste son sur la fin de la première image. C’est un J CUT

A l’inverse on peut passer au contrechamp avant la fin de la première prise de parole, on aura ici alors fait un L Cut.

Maintenant tu as toutes les clefs en main pour réussir tes dialogues, alors c'est parti, à toi de jouer !